10 temas de películas con los que los directores están obsesionados

Hay dos tipos de directores en el cine. Uno que hace diferentes películas. Y el otro que hace siempre el mismo tipo de películas. Bueno, eso sería simplificar demasiado. Pero para comenzar mi punto, eso serviría como una hipótesis útil. Hay cineastas camaleónicos que no hacen la misma imagen dos veces. Pueden tratar una amplia gama de temas en sus películas y, en la mayoría de los casos, resultan ser los cineastas más accesibles, pero su capacidad para perderse haría que la película careciera de una marca o identidad distintiva que dificultaría la conexión. con sus trabajos anteriores. Paul Thomas Anderson es uno de esos cineastas en los que puedo pensar que encaja en esta categoría. Anderson, creo, ha realizado tres obras maestras en su carrera hasta ahora. Pero cuando miras ‘Magnolia’, ‘Habrá sangre’ y ‘El maestro’, temáticamente no podrían ser más diferentes entre sí. Estas son 3 obras de arte importantes, pero el enfoque de Anderson hacia estas películas ha sido radicalmente diferente entre sí.

También podría decir lo mismo de David Fincher. Pero luego están los cineastas que tienen sus propias visiones de la vida, la sociedad y las relaciones humanas. Se trata de cineastas cuyas obras pueden exhibir un sentido de repetitividad temática que resulta fascinante por su autenticidad distintiva. Me abstendría de lanzar ejemplos aquí ya que quería hacer de esta una introducción libre de spoilers. Dicho esto, permítanme llevarlos a una lista que explora temas de películas con los que los directores están obsesionados.

10. Wong Kar-wai: Ciudad de corazones rotos

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Poético, sensual, estimulante, melancólico, el cine de Wong Kar-wai es solo emociones humanas en colores. Kar-wai es un apasionado observador de las vidas humanas que se cruzan en la ciudad. Kar-wai romantiza lo aleatorio y lo ordinario con un toque de locura visual y un estilo y enfoque distintivos de la narración que convierten su cine en una estimulante fiesta de la vida, dando un vistazo a los deseos reprimidos y los sueños palpitantes de sus personajes. Sus películas están impregnadas de un cierto sentido de desesperación y anhelo de amor entre personajes que se encuentran en las aceras, callejones llenos de gente, en las calles lluviosas o en los pasillos turbulentos de una vida fugaz. El uso frecuente de partituras incesantemente repetitivas y tomas exquisitas de la ciudad que atestiguan la melancolía y la desolación de sus personajes, el anhelo de una mirada de amor y un toque de consuelo, junto con el uso asombroso de colores y vívidas imágenes son elementos adictivos. en sus películas. Si bien Wong Kar-wai ha incursionado en otros géneros, sobre todo la acción, los elementos temáticos subyacentes de su cine se han mantenido igual a lo largo de los años.

9. Martin Scorsese: crimen y religión

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Martin Scorsese es donde comenzó todo. Durante más de 4 décadas, Martin Scorsese ha sido una figura destacada en el cine estadounidense y es considerado uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos, generando generaciones de cinéfilos fervientes en todo el mundo. Su obsesión de toda la vida por la religión y la violencia que creció viendo en Nueva York han tenido una enorme influencia en los temas recurrentes de su cine que tratan sobre la identidad siciliano-estadounidense, los lados oscuros del mundo del glamour y un juego de moralidad implacablemente retorcido. Desde su explosivo drama criminal en ‘Mean Streets’ y el rugiente drama psicológico en ‘Taxi Driver’ hasta las inquietantes sátiras de ‘El rey de la comedia’ y ‘El lobo de Wall Street’, las películas de Scorsese han abordado constantemente temas de fe individual. y religión, indulgencia excesiva en el crimen y libertinaje con personajes despreciables envueltos en un juego distorsionado de moralidad y violencia. Su último drama de época histórica y su proyecto de pasión desde hace mucho tiempo, ‘El silencio’, aborda los problemas de la religión y los desafíos en la fe y se considera su trabajo más personal y ambicioso desde ‘La última tentación de Cristo’.

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8. Richard Linklater: Passage of Time

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Describir el cine de Richard Linklater es describir la vida; la vida en todas sus mundanidades y momentos insignificantes que tanto nos olvidamos de saborear en nuestra banal existencia. Linklater nos hace darnos cuenta de la belleza de nuestra propia existencia y del éxtasis de las interacciones y relaciones humanas. Su cine es una alegre celebración de la vida que captura con alegría los momentos que anhelamos revivir en el tiempo. Su eterna obsesión por el paso del tiempo en la vida ha dado lugar a películas que observan vidas humanas durante un período de años, filmadas en tiempo real y logrando que sus actores envejezcan fuera de la pantalla y en el proceso aportando una sensación inigualable de realismo y simplicidad en -pantalla que la mayoría de los cineastas se esfuerzan por lograr en sus películas. La trilogía «Antes», aclamada por la crítica, que sorprendió a la gente con su asombrosa simplicidad y realismo, es ahora considerada como una de las mejores trilogías jamás realizadas y con frecuencia figura entre los mejores dramas románticos jamás realizados. Pero es su obra maestra de 2014, ‘Boyhood’, una película que narra 12 años en la vida de un niño, lo que es más una culminación de sus obsesiones temáticas.

7. Woody Allen: vida, Nueva York y romance

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El cine de Woody Allen fue un hito en mi viaje como cinéfilo. Sus películas no solo me enamoraron del arte del cine, sino que me iluminaron sobre la vida y las relaciones de una manera que ningún otro cineasta lo ha hecho. Por lo tanto, no sería una sorpresa teniendo en cuenta las pequeñas palabras que pueden expresar mi amor por el genio cinematográfico que es este hombre. El cine de Allen es un reflejo agridulce de la vida con representaciones honestas e inquebrantables del romance y la inutilidad de las decisiones que tomamos en la vida. Sus imponentes guiones, impregnados de un conmovedor sentido del humor, han sido fascinantes exploraciones del amor y su esencialismo en la vida con una amplia mezcla de realismo que hasta ahora se deshacía en el cine. Desde ‘Annie Hall’ y ‘Manhattan’ hasta ‘Midnight in Paris’ y ‘Cafe Society’, las películas de Allen se han arraigado temáticamente en su propia filosofía sobre el amor y la vida con la ciudad de Nueva York presenciando el dolor y las tristezas de su hermosa gente. .

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6. David Lynch: Subconsciente humano

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Recuerdo una entrevista en la que David Lynch expresó una vez sus puntos de vista sobre cómo se debe disfrutar del cine. Hizo una analogía con la música, afirmando que cuando se trata de cine, la audiencia tiende a buscar dispositivos como la trama o la historia para entender de qué se trataba la película, a diferencia de la música, donde la gente se inclina más hacia el factor sentimiento que tratando de descifrar las facetas intelectuales de la pieza. Pero como dice Lynch, las películas tienen los mismos elementos de abstracción que posee la música y es esta perspectiva intrigante suya la clave para obtener una visión intuitiva de su cine. El fetiche insaciable de David Lynch por explorar los lados oscuros de la naturaleza humana a menudo ha producido obras de arte seminales que cambiaron el curso del cine. Sus películas son retratos seductores del subconsciente humano despojado de sus miedos y pesadillas profundamente arraigados, inyectando un profundo sentido de mistificación que trasciende los magros poderes del intelecto humano.

5. Terrence Malick: propósito y significado de la vida

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Terrence Malick, la versión estadounidense de Andrei Tarkovsky, es uno de los más grandes visionarios que jamás haya adornado esta forma de arte. Habiendo comenzado su carrera como parte de la ola cinematográfica de New Hollywood en los años 70 con películas como ‘Badlands’ y ‘Days of Heaven’, Malick tomó una pausa de 20 años antes de regresar a la escena en 1998 con el épico drama de guerra. ‘La delgada linea roja’. Después de su regreso, Malick realizó películas que rompieron la estructura narrativa tradicional del cine convencional y la mayoría de sus obras exploraron el significado y el propósito detrás de la existencia humana y su relación con la naturaleza etérea del universo. Los personajes del cine de Malick están en una búsqueda perenne para descubrir la esencia de la vida y el propósito detrás de su propia creación. Su obra maestra de 2011, ‘El árbol de la vida’ captura los recuerdos de la infancia de un hombre de mediana edad intercalados con imágenes trascendentales de los orígenes del universo y el inicio de la vida en la tierra. Su visión inquietantemente surrealista y poética de la guerra en ‘The Thin Red Line’ es ahora considerada como una de las mejores películas de guerra jamás realizadas; una película de guerra que no trata realmente de la guerra, sino de esos espíritus destrozados detrás de las armas y las balas. Terrence Malick es un inconformista; uno que desafía valientemente las normas cinematográficas convencionales con su enfoque visual estilístico y espiritual que rompe la coherencia narrativa, pero el mundo que Malick ve a través de la cámara es de asombrosa belleza y poder.

4. Andrei Tarkovsky: existencialismo, infancia y sueños

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Andrei Tarkovsky, el mayor cineasta filosófico de la historia del cine, es un hombre que derivó un lenguaje cinematográfico propio utilizando la serena estética de la vida, los inquietantes reflejos de la infancia y los momentos en cascada del tiempo. Su cine es una interpretación onírica de la vida que se respira a través de los recuerdos del tiempo perdido en pasajes de conflicto entre la fe, el existencialismo y la infancia. Los motivos recurrentes en sus películas incluyen nostalgia, sueños, preguntas sobre la realidad y la existencia y un laberinto profundamente filosófico encapsulado por el complejo entrelazamiento de religión, arte y ciencia. Entre las muchas obras maestras que hizo en una carrera trágicamente truncada a la edad de 54 años, cuatro de sus películas, ‘El espejo’, ‘Stalker’, ‘Solaris’ y ‘Andrei Rublev’, son calificadas con frecuencia por críticos y cinéfilos como algunas de lo más grande jamás hecho en el cine con ‘Solaris’ y ‘Stalker’ lidiando con crisis existenciales, desdibujando la realidad y los sueños, una ardua búsqueda de los deseos humanos mientras ‘El espejo’ y ‘Andrei Rublev’ exploran la infancia, los sueños, los recuerdos, la religión , guerra y política; todos son temas tarkovskianos por excelencia.

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3. Ingmar Bergman: Muerte

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La habilidad divina de Ingmar Bergman para viajar a las profundidades de la psique humana no tiene paralelo en todo el cine. Bergman podía llegar a los secretos sin palabras ocultos en las emociones humanas, mostrándolos con una sensación de calidez y humanidad que, a veces, era inquietante en su cruda intensidad emocional y psicológica. Muy pocos cineastas han explorado los temas de la muerte con la belleza surrealista y la profundidad contemplativa que hizo Bergman. La muerte es un elemento que se avecina en el cine de Bergman; uno que obliga a sus personajes a examinar e introspectar sus acciones y vidas pasadas mientras plantea preguntas sobre crisis existenciales y de identidad. En su drama de fantasía de 1957, ‘El séptimo sello’, Bergman exploró los aspectos metafísicos y espirituales de la muerte mientras examinaba los conflictos internos y el dilema que la muerte plantea en la tragedia de ‘Gritos y susurros’.

2. Michael Haneke: distanciamiento social y futilidad de la violencia

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Sin lugar a dudas, el mejor cineasta que trabaja en el cine hoy en día, Michael Haneke es un hombre de fuertes convicciones con puntos de vista ferozmente poderosos sobre los medios, la sociedad y las mentes humanas que impregnan los elementos temáticos y filosóficos de sus películas. Pocos cineastas han sido capaces de trasladar sus ideas y su visión personal a la pantalla con la audacia y el virtuosismo que hace Michael Haneke. El cine de Haneke es una exploración incesante del alejamiento social experimentado por los individuos en la sociedad moderna y un examen abrasador de la violencia y su existencia ineludible en las zonas más protegidas de nuestra vida privada. Un intruso siniestro de la privacidad burguesa, Haneke es implacable al burlarse de la descripción inútil de la violencia en los medios de comunicación y la sociedad burguesa que encuentra consuelo en los cojines de lo desconocido y lo indecible. Hay un sentido de objetividad, desprovisto de cualquier tipo de manipulación emocional descarada, que Haneke se esfuerza por lograr en su cine, que se percibe en todas las películas que ha hecho. Sus películas constantemente plantean preguntas …

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