Las 10 mejores secuencias de películas editadas de todos los tiempos

¿Qué surge en tu cabeza cuando utilizo las palabras edición de películas? ¿Te imaginas una tijera atravesando un rollo de película? Bueno, es exactamente eso y mucho más. El significado del diccionario de edición es elegir material para una película, programa de radio o televisión y organizarlo para formar un todo coherente. Eso resume lo que implicaría una tarea de edición convencional. Suelta las piezas innecesarias del rompecabezas que te deja con un producto cristalizado.

Pero "producto" resulta ser el adjetivo completamente incorrecto cuando se hace referencia a una forma de arte. Entonces, la edición es mucho más experimental y refleja un ardiente deseo de exploración que a veces hace que el público cuestione el carácter absoluto de la película y nadie se da cuenta de que nuestra concepción del absoluto se define enteramente por convención y las tendencias mundanas de los cineastas mediocres a limitarse a ellos. Nuestros sentidos experienciales se cumplen solo cuando esas convenciones y nuestras expectativas inquietantemente rígidas son desafiadas con autoridad.

Siempre he comparado la edición con el titiritero o la composición de una sinfonía. Controlas constantemente cada elemento de la vida cinematográfica de la película y, alternativamente, aprietas y aflojas ese control. Es como un baile, una ingeniería sofisticada y hace que todos los obstáculos en el camino de un cineasta para hacerse con el control absoluto de la trayectoria mental del público se desvanezcan. Con eso, aquí está la lista de las mejores secuencias editadas de películas, clasificadas en orden de impacto, importancia e ingenio:

10. 'Las horas': Las mujeres despiertan

'The Hours', de Stephen Daldry, es una película de amor o odio. Sus observaciones tiernas, a veces deliberadamente estilizadas, conforman una impresionante colección de imágenes a la vez sombrías y empoderadoras. Esta escena encuentra a los tres protagonistas, absolutamente distinguidos en carácter, época y estilo de vida, pero inexplicablemente entrelazados en su agotamiento de la vida y su incesante banalidad, que se despiertan y buscan algo nuevo a lo que aferrarse. Es profundamente identificable, le brinda una visión inmediata y profunda de los personajes y, aunque no es técnicamente audaz, establece el tono de la película sin esfuerzo.

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9. 'The Paino Teacher': su propia ruina

Podría elegir múltiples secuencias con un uso intensivo de cortes y tomas entrelazadas y una cadena de imágenes y transiciones milagrosamente cosidas quirúrgicamente como las tomas iniciales de 'Apocalypse Now' o el final de 'Bonnie and Clyde' para este anuncio. Pero tanto como la edición se trata de esos logros gloriosos e innovadores, también se trata de la quietud y una aplicación minimalista de la técnica para crear algo intensamente poderoso. Michael Haneke y sus editores Monica Willi y Nadine Muse emplean la menor cantidad posible de cortes en esta trágica escena. Pero es como si hubieran ganado el control total sobre su respiración y, en tiros largos, insoportables y agonizantes, la retienen y la dejan pasar unos segundos entre ellos. Es como caminar en completa oscuridad y todo lo que te incita es la luz brillante al final de tu camino. La belleza: la luz brilla con poca frecuencia, dejándote en la más absoluta oscuridad la mayor parte del tiempo.

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8. 'Mad Max: Fury Road': La persecución final

https://www.youtube.com/watch?v=ChsM-4WJr7s

Si has visto 'Mad Max: Fury Road', sabrás que la película es un homenaje vivo al arte de la edición. Funciona como una pieza de música orquestal gigante y arrolladora perfectamente compuesta para primero, tus ojos y oídos, y luego, tu cabeza y corazón. Disfruta de su color y vitalidad, la imposibilidad y la brutalidad de la visión distópica de su director, con casi todas las escenas, desde feroces hasta maravillosamente tranquilas, elegibles para un lugar aquí. Pero esa persecución final es como un delicioso crescendo hacia el que se está construyendo toda la película y, al verla en un frenesí absoluto en la pantalla más grande que pude encontrar, tuve la mandíbula en el suelo todo el tiempo.

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7. '8 1/2': Escena de apertura

Inspirando ese magnífico número de apertura 'Otro día de sol' de 'La La Land', esta escena es indescriptiblemente seductora. Fellini te cautiva con sus absurdas ideas mientras su editor Leo Catozzo explota un temperamento rítmico para superar la lógica y proporcionarte solo las herramientas para imaginar. La mayoría de los espectadores quedan desconcertados, confundidos, repugnados incluso por el conjunto de imágenes sin sentido que se exhiben en la primera visualización, pero la profundidad de la pieza justifica la poesía de capturar lo anormal y rociarlo con un sentido de la ironía y la ironía tortuosa y sumamente ingeniosa. visión espectacular.

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6. 'Salvando al soldado Ryan': el aterrizaje en la playa de Omaha

Avancemos y asumamos que esta es la secuencia de batalla más grande de todos los tiempos y luego intentemos demostrarlo. Dentro de los primeros 30 minutos de la película, Spielberg, el maestro narrador te ha dejado justo en medio del infierno. Hay sangre, hay sangre, hay enormes olas de un mar asombrosamente fotografiado. Esperas pacientemente mientras los soldados estadounidenses, con las venas a punto de estallar de aprensión, se sientan en el bote, de alguna manera se preparan para lo que podría ser el último día de su vida. La acción luego se traslada a la costa y el cuadro se mueve a un ritmo vertiginoso para capturar momentos de horror abyecto. La cámara se mueve de manera irregular e irregular para dar la sensación de realismo desprovisto incluso de una pizca de artificialidad que lo dejaría fuera del borde de su asiento, pero los cortes asombrosos e inquietantes de Michael Kahn lo elevan al nivel de arte. Quod Erat Demonstrandum.

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5. 'Battleship Potemkin': Los pasos de Odessa

El cineasta ruso Sergei Eisenstein fue el pionero del arte del montaje y de la edición de películas y, por lo tanto, ninguna lista de grandes ediciones cinematográficas estaría repleta sin sus ingeniosos esfuerzos artísticos. Su mayor logro es 'Battleship Potemkin', visionado básico para estudiantes de cine de todo el mundo. Aquí es donde todo comenzó, con esta secuencia eclécticamente elaborada que cambió las dimensiones del cine para siempre. No hay otra película en la que no se pronuncie ni una sola palabra que sea tan suntuosamente fascinante, gracias en gran parte a esta escena particular a la que se ha hecho referencia y parodiado hasta la muerte a lo largo de los años.

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4. 'El Padrino': El Bautismo

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Lanzar una película directamente a los libros de historia es una empresa difícil para una sola escena. Y aunque casi todo lo demás en esta película legendaria minuciosamente elaborada es la definición de libro de texto de la perfección del cine, esta escena logró esa tarea con un estilo inolvidable. Tan impactante e indeleble como es la gran teatralidad de los asesinatos en esta escena (cuidado con la referencia del 'Acorazado Potemkin' en esta también), lo que es aún más difícil de sacudir es la cara inexpresiva y ambiguamente vacía de Al Pacino colocada entre ellos. , hablando las palabras que renuncian a Satanás así como sus acciones lo glorifican. Es nada menos que majestuoso y como 'Potemkin', dejó una tonelada de descendientes propios.

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3. 'Mulholland Dr.': La pesadilla

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En el mundo del CGI y los escenarios expansivos, el tratamiento clásico de plano / plano inverso de una escena suena aburrido para la mayoría de las audiencias. Y no hay casi nada nuevo en términos de técnica en esta escena de cicatrices hasta el final. Pero en visitas repetidas, notas que aquí está en juego una maniobra impecable. Ese titiritero del que estaba hablando nunca se volvió más esencial para seducir a un espectador a la misteriosa imaginación de Lynch, que incluso después de romper todas las reglas del libro sigue latiendo con vida. No sabemos nada de los hombres aquí; esta es la primera vez que los vemos y, sin embargo, estamos totalmente envueltos en cada emoción que revolotea en sus rostros. La toma perdura en la cantidad justa para que sintamos la más aterradora sensación de pavor y un reconfortante escepticismo desde las respectivas perspectivas de los dos hombres y luego el pavor se manifiesta en la realidad y el cine nunca volvió a ser el mismo.

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2. 'Lawrence de Arabia': The Match Cut

http: // https: //vimeo.com/52693433

Para mis dos opciones principales, elegí conscientemente solo cortes únicos que llevaron a toda la secuencia a una vida inmortal en celuloide. Este, de la resplandeciente epopeya de David Lean, ha golpeado la conciencia durante décadas, porque es como la llama vivaz y silenciosamente efímera del partido que Peter O'Toole apaga. El momento se ha ido son segundos, pero su serenidad sobrecogedora en los desiertos vacíos en los que se desarrolla la película deja un olor abrumador que impregna toda la película y su tranquilidad íntima se convierte en el momento más memorable de la fábula más grandilocuente de la historia del cine.

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1. '2001: A Space Odyssey': The Bone Cut

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Otro corte de partido, otro momento digno de la cápsula del tiempo. Stanley Kubrick salta millones de años en un segundo cuando un hueso volador en nuestro pasado evolutivo se convierte en un satélite en el espacio en el futuro. Es tan breve como el corte de 'Arabia', y tan elemental para que experimentemos la visión increíblemente vanguardista de Kubrick. Se te acerca sigilosamente y te transporta a otra dimensión, ya que el eficaz diseño de sonido del ensordecedor silencio del aire en la Tierra llega hasta “An der schönen blauen Donau (El Danubio Azul)” de Strauss y nos lleva al espacio: una hazaña, incluso después de innumerables esfuerzos, que cualquier otro cineasta aún debe lograr.

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